Palabra, llama invisible

CARAVAGGIO: ¿POR QUÉ SU ATRACTIVO?

2011-12-18T20:04:00.009+01:00

A los 400 años después de su muerte, existe gran interés para ver sus cuadros. Michelangelo Merisi da Caravaggio, creó una nueva forma de pintar y conseguiría la fascinación posterior por su pintura. Se le ha considerado el padre del realismo pictórico: quería presentar la verdad tal y como la veía, sin ideales.
En España, actualmente, sólo hay cinco cuadros de Caravaggio:
David vencedor de Goliat (Museo del Prado)

Santa Catalina de Alejandría (Museo Thysen-Bornemisza).

Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Palacio Real de Madrid)

San Jerónimo penitente (Museo de Montserrat).
Y san Juan Bautista con el cordero (Catedral de Toledo).

Caravaggio vive en los años de la Contrarreforma, un ambiente complicado. Aún así, su pintura destacó en los cuadros de altar y escenas religiosas, aunque ciertos rasgos de su pintura religiosa escandalizaban con frecuencia.
¿Cuál es el secreto de Caravaggio? Fue al mismo tiempo un gran pintor y un delincuente, -de vida turbulenta, murió a los 37 años, la Roma de Caravaggio es una ciudad de ajustes de cuentas-, lo que atrae el interés hacia él: su vida es novelesca. Es el artista genuino, que vive lo que todos desearían vivir pero no es fácil decidirse: libre, creativo, siempre en conflicto, su vida y su obra están estrechamente relacionadas.

En el museo del Prado, el verano pasado, pudimos admirar el Descendimiento, obra prestada por los Museos Vaticanos.
Ahora, en Murcia, hemos tenido la ocasión de mirar lo que es difícil de ver: san Jerónimo penitente.
En el caso de Caravaggio la diferencia entre ver una fotografía y estar delante del cuadro es enorme: el espectador vive la presencia de lo pintado.

Una evidente prueba de su maestría y cualidades pictóricas revolucionarias es el "San Jerónimo Penitente", que se ha podido ver en la sala Belluga, de la fundación Cajamurcia. (Relacionado con el San Jerónimo escribiendo, de la italiana galería Borghese).
Se representa al santo, anciano, en la intimidad de la oración, con los brazos recogidos, en una dolorosa expresión de meditación.
San Jerónimo, quien tradujo la Biblia del hebreo al latín, contribuyendo a su divulgación, siendo cardenal se retiró de los privilegios de su cargo para hacer vida retirada.
Sus atributos son el manto rojo de cardenal para recordar la vida anterior del santo y la calavera humana sobre la cual reflexiona acerca de la condición del hombre.
Caravaggio dibuja con detalle el cuerpo flácido y arrugado del anciano, así como la calavera miserable.
No hay perspectiva, sino la centralidad de la figura con su presencia y todos los detalles con un claro realismo. Es la figura que, con su posición, genera profundidad en la obra.
La luz del cuadro es tenebrista: San Jerónimo destaca iluminado con un único foco de luz, y el resto en silenciosa oscuridad, que no crea espacio y muestra dramáticamente los detalles importantes. La luz simboliza la presencia de lo sobrenatural, de lo divino. Así como ilumina y destaca el interés por el torno, las uñas o la calavera (y la piedra de penitencia que está próxima al corazón).
Y todo aquello que personalmente pueda sentir quien contemple el cuadro.

En esta limitada exposición de los "Tesoros de Montserrat", puede verse, también, un "san Jerónimo escribiendo a la luz de una vela", de autor anónimo; un retrato del escultor Martínez Montañés, "San Francisco", de Caracciolo; y una "Madonna", de F. Solimena.
Pocos cuadros, pero de gran intensidad.
Acaba la exposición el día 20.

*****************
NOTA de algo DIFERENTE.- Una alternativa, ahora, es ir a la exposición en “Las Claras” (fundación Cajamurcia), donde se muestran fondos artísticos de la colección de arte que posee la FUNDACIÓN “ANTONIO CAMPILLO”. (Me han gustado los cuadros de Gaya, de Molina Sánchez y de José Caballero; así como la escultura "Caballo", de Venancio Blanco).

ROBAR ESCULTURAS DE ANTONIO CAMPILLO: DE LO MATERIAL EN SÍ Y EL VALOR ARTÍSTICO.

2011-08-29T20:46:00.006+02:00

Con más que molesta indignación -¿puede uno indignarse por esto?- recibo la noticia de que se han llevado, arrancadas, dos esculturas del Parque escultórico “Antonio Campillo”.
Comenté, en este blog, algunas de las nueve que se encontraban en el lugar. Ahora, faltan dos: “La Danza” y “Saltando a la comba”, que representan diversos momentos en los que Antonio Campillo supo captar y reflejar excelentemente.
Y, ahora, ya no están.
Quienes se las hayan llevado, sin duda, no les importó que fueran obras de arte; lo que se deduce que pretenden estos "desalmados", (como los calificó el alcalde de Murcia), es la venta y obtención de dinero según lo que pesen y lo que pueda darles el receptador: motivos económicos de estrechas y cortas intenciones, que no otros, pueden inducir a vender arte como chatarra.
No quiero pensar en que haya alguien que culpe a la crisis económica del hecho, asegurando que ha sido perpetrado por individuos que se encuadran en la geopolítica del hambre; y, a su vez, “justifique” el robo. Porque sería como admitir que, por la misma dificultad monetaria y en caso de hambre, se pudiera practicar el canibalismo con la primera persona que pase.
Probablemente, si hubiera sido un robo por encargo, -inducido y pagado por alguien que valora las piezas como arte en sí-, no habrían sido arrancadas, lesionadas, pues eso les hace perder valor en el mercado clandestino del arte. Lo cierto es que los autores, y quizá sus mentores, valoraron que esas piezas escultóricas tienen un valor económico y, aprovechando que en Murcia, en agosto, hay menos gente, y dada la facilidad de acceso al parque, arrancaron literalmente esas dos esculturas y, de momento, no se sabe más.
Pero el hecho es que se ha cometido un delito, -que esto lo saben los autores, sin duda-, y algo más que eso: se ha atentado contra la creación que es el Arte, que es la manifestación del espíritu y pensamiento de personas singulares, que hablan a la humanidad, a la vez que se expresan como humanos. También se ha atentado contra los símbolos que son estas esculturas y el conjunto de la obra de Antonio Campillo: el solaz y esparcimiento que significa un juego muy extendido, el de saltar a la comba; así como la figura de la joven que practica e invita a la danza; infancia y juventud excelentemente retratada por el maestro de la Era Alta.
La Fundación “Antonio Campillo”, anuncia que se volverá a disfrutar de estas dos esculturas, reproducidas con los moldes originales, autorizan la reproducción. No puedo ni quiero evitar que emerja aquí la obra de Walter Benjamin “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, -y pido disculpas por la erudición y la larga cita-, donde el filósofo afirma que “El aquí y ahora del original constituye el concepto de su autenticidad. (…) lo auténtico conserva su autoridad plena, mientras que no ocurre lo mismo cara a la reproducción técnica. […] Las circunstancias en que se ponga al producto de la reproducción de una obra de arte, quizás dejen intacta la consistencia de ésta, pero en cualquier caso deprecian su aquí y ahora. (…) Sin embargo, el proceso aqueja en el objeto de arte una médula sensibilísima que ningún objeto natural posee en grado tan vulnerable. Se trata de su autenticidad. La autenticidad de una cosa es la cifra de todo lo que desde el origen puede transmitirse en ella desde su duración material hasta su testificación histórica”.
Estoy de acuerdo con W. Benjamin: la reproducción, aunque técnicamente perfecta,… ya no será lo mismo. (Y esto lo digo por quienes han destrozado las esculturas; -que deben ser encontrados, juzgados y castigados-; no por quienes, obviamente, procurarán que las podamos contemplar nuevamente, y por lo que hay que felicitarles).
Pero, bueno, no podemos hacer otra cosa que aceptarlo así y conformarnos, para que la obra de Antonio Campillo vuelva a su lugar y siga siendo destello y alumbre la figura de la mujer murciana, de la que se hace eco el arte.
Aquí queda mi indignación. También mi esperanza.

El DESCENDIMIENTO, de Caravaggio, en el museo de El Prado.

2011-08-06T01:16:00.009+02:00

Madrid se prepara, porque viene Benedicto XVI (ya sabemos: el Papa). Por todas partes hay vallas, (no sólo por los del movimiento 15-M), y en su interior se prepara algún armazón y tarimas desde las que el pontífice se dirigirá a los jóvenes concentrados para escucharle.
Los museos no han querido ser menos y se han puesto a participar.
¿Cómo?
Pues en una especie de “guiño”, entre lo colaborador y el homenaje a los motivos de la religiosa presencia católica.
Así, el museo Thyssen ha titulado “Encuentros” a una sala especialmente habilitada para pintura de escenas religiosas de los siglos XIV al XVIII. (Destaco, por excelentemente soberbia, “La cena de Emaús”, de Mathias Stom).
Este lienzo describe un episodio tomado del Evangelio, donde se narra cómo dos discípulos cenan en Emaús con un extraño que resulta ser Jesús, y a quien reconocen por su forma de repartir el pan, en una expresión de sorpresa y estupefacción. La escena transcurre en un interior iluminado por una vela cuya luz provoca un claroscuro (se nota la influencia de Caravaggio).

El museo del Prado, también se suma a tener presencia en el evento. Y por su obvia colección y fondos, ha programado “La Palabra hecha imagen. Pinturas de Cristo”.
De la que los responsables han destacado “El Descendimiento”, de Caravaggio, dedicándole un espacio específico y singular.
Hasta el punto que, a cada hora, aparece un/una especialista en arte y lo explica, gratuitamente, a todos quienes quieran escuchar/ver.
En este cuadro de Caravaggio tiene especial y relevante importancia –además de la escena en sí- la losa-piedra que servirá, primero, para embalsamar a Cristo muerto; y, después, servirá de cobertura de la tumba. Tiene, por tanto, el sentido y significado de “piedra angular” donde se fundamenta la Iglesia.
Es el esquema compositivo que ofrece la idea de lo sólido, lo compacto. Y se sigue en esta representación en la disposición integrada por un grupo humano que se recorta y sobresale de un fondo oscuro. Constituido conforme a una línea diagonal que, desde el ángulo inferior izquierdo, en un juego de luces y sombras:
• Cristo bello y hermoso, sin sufrimiento. Incluso tenues son las marcas de la herida del costado y de los clavos en las manos. Su mano apunta a la piedra, como señalando “lo angular”, el fundamento. (Caravaggio ha imitado la forma y posición de Cristo de acuerdo con La pietá, de Miguel Ángel).
• Nicodemo sostiene las piernas con esfuerzo pero sin fatiga.
• Juan, el discípulo, sostiene el tronco.
• Detrás está la Madre, en la que Caravaggio ha reflejado el paso del tiempo: es madre de un hombre, luego ella es mayor, (contraviniendo las normas que dicen que la Virgen Madre ha de ser joven y guapa), donde María, en actitud de abrazo y acogida, quiere integrar a su Hijo y a quienes le ayudan.
• Detrás, María Magdalena llora.
• Hasta aquí todas son expresiones que miran hacia abajo. El contrapunto lo pone María de Cleofás, que levanta los brazos requiriendo del cielo un reconocimiento de la trascendental situación.
Son formas diversas de manifestar el dolor.
Es éste un cuadro de los llamados “de altar”, hecho para ser contemplado largamente, durante ceremonias religiosas.
Un cuadro de esplendor y significado; merece verse así en esta temporalidad, en una sala específicamente destinada.
Una gozada contemplarlo.

ANTONIO LÓPEZ, artista en exposición: hay que verla.

2011-08-05T21:52:00.014+02:00

He visitado, en este agosto, la exposición que, desde se inauguró, aguarda turno, como si fuera una cita en el calendario de lo que uno debe ver (pasa más o menos igual con lo que hay que leer). Los libros, quizá, pueden esperar. Pero la obra de un artista (tan completo como Antonio López), que llega cuando los museos quieren; hay que verla, pues la evidencia de su perentoriedad, de que en poco más de un mes se clausurará: es ahora cuando lo tenía que ver, este es el tiempo preciso.
Es una exposición ejemplar, -en el museo Thyssen, de Madrid-, de una generosa serenidad. Este genio de la pintura y la escultura, Antonio López, se encuentra en el momento adecuado para ser admirado.

Muchos entendidos califican a Antonio López de pintor realista, hiperrealista. Quizá porque su obra transmite y expresa cómo las diversas realidades domésticas que reconocemos nos parecen “reales”, cuando resulta que es que nos reconocemos en ellas, nos proyectamos. No se trata de copias del natural.
En mi ignorancia de lo que se refiere al arte, me atrevo a decir que lo real que vemos en la obra de Antonio López alcanza contenidos fronterizos con el sueño y la interpretación: donde la idea sale de la vida, de la realidad. El pintor utiliza la pintura para relatar sus visiones, que son el resultado de un largo y perseverante proceso lleno de sacrificios y de reglas, hasta el punto de que casi nunca da por terminadas sus obras.
Plantándose delante de cada uno de sus cuadros, podemos comprobar que, además de genio, talento e inspiración, hay honradez y trabajo en su singular potencia creadora.
Como él mismo dice: "Hace falta mucha imaginación para leer la realidad”. Pues toda realidad oculta un misterio. Y este es el caso de Antonio López.
La experiencia de asistir a la exposición es sensitiva, previa a cualquier razonamiento estético. Lo pintado no es lo que la mirada advierte: es sobre todo lo retenido en esa otra intuición de la mirada que el arte posibilita.
Antonio López reinventa la realidad, la rehace, más allá de la indudable sabiduría técnica. Una calle, una azotea, una ventana, un paisaje desde donde se contempla el espectáculo magnífico de la cotidianidad. El pintor pregunta y dialoga con el entorno, con una voluntad irrepetible de precisión. Los retratos de Antonio López disponen de la misma inquietante seducción que sus paisajes: exteriorizan su intimidad, comparten la misma quietud. Las figuras pintadas, dibujadas, esculpidas, son retratos expresivos de la perfección.

No se puede perder asistir a esta exposición, de un artista que ya pertenece a la historia y al concepto de “clásico”, de una calidad suprema, que no es necesario comparar con los geniales clásicos que todos tenemos en la mente, desde antes de Velázquez hasta hoy.

SI SE MUEVE, MOVERÁ TODO LO DEMÁS. UN CAMINO LARGO DEL PESIMISMO AL ALIENTO Y LA ESPERANZA.

2011-05-22T00:09:00.011+02:00

Para comenzar, expreso mi preocupada alegría y la esperanza en este movimiento pacífico. Es un momento sencillo y poliédrico a la vez: sencillo y contundente, porque hay más que sobrados motivos para la indignación. Y complejo porque no sólo se trata de jóvenes –que son los que mayoritariamente se manifiestan-, que han nacido en democracia. Y a ellos se unen personas de todas las edades, que sí conocen el silencio y la censura, el miedo. Y que también están legítimamente indignados.
Los acampados no tienen miedo y sí decisión. No sólo se trata de poner en evidencia la mortecina vida política y su escasa sintonía con los ciudadanos, no sólo se trata de rebelarse contra la economía, la forma de abordar la crisis y el poder omnímodo que poseen y que nadie les ha otorgado a los llamados “mercados”,… Ni lo que dicen algunos relevantes medios de comunicación, que hablan/escriben como si poseyeran la verdad incuestionable; - y a quien nadie ha elegido para que ejerzan ese poder manipulador-.

Porque lo que se desprende de los integrantes de las acampadas, concentrados en las plazas de las ciudades de España, es de que, en paz y con decisión, con claridad, millones de personas puedan expresarse y mostrar, en la práctica, sus pretensiones de participar en vida social y política desde otros presupuestos, y su exigencia de ser tenidos en cuenta, a la vez que vapulean y dejan en evidencia el actual sistema político y de representación.
Los partidos políticos se inquietan: el fenómeno que supone este movimiento queda fuera de su control y no hay acceso, de momento, a discutir o negociar con los manifestantes. Y a tales partidos no debería de cogerles por sorpresa, porque se viene expresando en hechos y muestras de la aversión, el desafecto y el rechazo creciente a sus métodos y a su no representatividad, que está manos de “los mercados”: “Rey don Sancho, rey don Sancho, / no dirás que no te aviso…” Primero se consideró que no había razones para la protesta y la rebeldía (“se ha vivido por encima de las posibilidades y, ahora, a callar”). Y, en vez de ponerse a reflexionar los propósitos, -porque no hay programas, que llegarán, en breve-, han intentado desacreditar a los revolucionarios, sin conseguirlo. A pesar del ruido mediático para descalificar –y aprovechar para culpar al gobierno y dar argumentos para mantener a sus simpatizantes-votantes, (medios de comunicación y periodistas profesionales del exabrupto, la descalificación), que viven en la paranoia de la conspiración (no siendo verdad, está bien construida y cala en amplios sectores; podemos recordar la “conspiración judeo-masónica” que como un espantajo exhibía el franquismo; y ahora siguen esos pasos, pero ‘mejorados’ por los avances de los medios de comunicación y porque hay muchísima gente a quienes les encantan los relatos de ciencia-ficción bien construidos).

Lo que escriben y gritan los concentrados es mucho más interesante para la ciudadanía que lo que dicen los partidos políticos -éstos deberán adaptarse, renovarse-.
Duren lo que permanezcan, es un aldabonazo estruendoso que no deja a nadie indiferente y tiene y tendrá consecuencias.
Y ahí están.
A los planteamientos y exigencias del Movimiento 15-M ‘Democracia real’, (más allá de aquel lema del mayo del 68 francés: “Seamos realistas, pidamos lo imposible”, lo que ahora se pide es posible. Otra cosa distinta es que se pueda hacer inmediatamente), de participación democrática, de que haya futuro, trabajo y vida buena, con valores. Los indignados saben lo que no quieren –es su punto de partida- y también aspiran a lo que quieren. Más allá de la aparente ingenuidad, los asistentes se organizan, forman comités, -hay, indudablemente, personas preparadas detrás y delante de esto, pertenecen a la mejor generación de españoles-, y sus concentraciones funcionan como una sociedad plural, ordenada y participativa: es la propuesta de un pretendido modelo que debe ser, cuando menos, considerado. Se están sumando intelectuales que aportan fundamentación al movimiento. Quien ha escrito “¡Indignaos!” (http://conspiraciones.blog.com.es/2011/02/16/texto-integro-de-indignaos-de-hesse-10607025/) es Stéphane Hessel, que es además un luchador de la Resistencia francesa, uno de los redactores de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, con prólogo de José Luis Sampedro, economista y escritor, uno de los redactores de “Reacciona” (http://www.blogger.com/(http://www.librosaguilar.com/es/libro/reacciona/)) son personas de indudable talla intelectual. Es una ayuda a la permanencia y proyección futura.
¿Seguirán las cosas igual? Quiero creer que no.
• Porque se ha expresado en libertad, públicamente y en voz alta la inconformidad y la necesidad de futuro en democracia.
• Porque se reivindica la honestidad, la lealtad y la ética.
• Porque se sabe y se siente que el afán de ganar dinero llega hasta el fraude y el engaño, poniendo en serio peligro el futuro, la convivencia y la vida.
• Estos sueños alcanzables fecundan de ideas y acreditan la práctica social y política en libertad y participación.
Queremos creer que otro mundo más justo es posible a corto plazo y no sólo es un bello e ingenuo sueño.
Seguiremos hablando.

NOCHE ‘BLANCA’ EN CARTAGENA: DE LIBROS Y LECTURAS; DE MUSEOS Y CONCIERTOS; DE VIOLINES, LUNA Y LUZ.

2011-05-15T13:32:00.006+02:00

Acudo, una vez más, a Cartagena en la noche de los Museos, en el marco de la edición cultural del “Mucho más mayo” cartagenero.
Impresiona la gran cantidad de personas que pasean y llenan calles y plazas, bares y explanadas, museos y conciertos al aire libre.
Hubo que elegir: en cinco horas de estancia en la ciudad portuaria, -hay que reconocerlo-, no se puede abarcar la impresionante oferta de actividades y de lugares que visitar. Hay que dosificarse, y cada año establecer el “¿qué ver y a qué asistir?”, y en unas cuantas ediciones…
De las incontables caras que ofrece el poliedro cartagenero, sólo podemos situarnos en unos pocos vértices:
Tras un breve paseo, impregnándose del ambiente de las calles repletas y de los escenarios dispuestos, comenzamos con la presencia en la librería “Escarabajal”, de la calle Mayor, para un filandón literario. Diversas lecturas, que comenzó María Dueñas, (“El tiempo entre costuras”), siguieron otros leyendo, interrumpido el silencio por el estrépito de apertura de las botellas de cava con que se obsequió a los asistentes. Destacamos la singular presentación del libro de Isabel Mellado, “El perro que comía silencios”: la propia autora leía fragmentos y, a continuación, interpretaba breves piezas con su violín. La presentó la escritora y psicoanalista Lola López Mondéjar en diálogo con el editor Juan Casamayor, de la editorial ‘Páginas de Espuma’ y con la autora.
Salimos de la librería y a la calle, porque, aunque estábamos bien, el tiempo avanzaba y se consumía: había que comer algo para seguir y resistir la noche.
Los bares, (destacamos “La Catedral”, recientemente inaugurado), restaurantes y cafeterías estaban a rebosar. Por lo que hubo que tomar sólo una cerveza con tapa, ya que la espera para más pitanza podría restarnos sensiblemente de asistir a más sitios.
La cola de espera para entrar al museo y anfiteatro romanos disuadió de colocarse. Otra vez será. La feria de arte en el ático del hotel NH cerró antes de las doce. Las filas se repetían frente a todos los museos, centros expositivos y espacios públicos.

En la puerta del ayuntamiento, un concierto de la orquesta de cámara de Cartagena. Pero hay demasiada gente, que habla e impide escuchar con agrado lo que allí se interpreta musicalmente.

Claro de Luna.
Decidimos explorar otros sitios. La Luna, en lo alto, en fase avanzada de creciente, ilumina las calles, compitiendo con el alumbrado, pero poniendo un perfil y aire sugestivos.
De camino hacia el MURAM, por calle Cuatro Santos, llama la atención que un grupo de personas mira en silencio hacia dentro de una calleja-rincón (calle del Mico). Al acercarnos, oímos un violín y un piano, llenando el aire de sonidos amables, de fragmentos conocidísimos y pegadizos de música clásica. Se ha creado un ambiente intimista y dulcemente acogedor, que se paladea junto con las galletas dulces que ofrecen en ese lugar. Suena Beethoven, en su ‘Claro de Luna’.

La exposición del MURAM es sobre “pasajes del cuerpo contemporáneo”. La creación artística en torno al cuerpo humano, lugar de la experiencia. Obras de creadores y artistas de renombre y fama (Salvador Dalí, Tàpies, Genovés, Valdés,…) ocupan las salas. El trabajo estético, visto desde diferentes enfoques, es para deleitarse tranquilamente, pero se rebasa el tiempo.
Volvemos por la calle de los Refugios, donde la gente espera acceder al ascensor. Subido en una grúa, un muchacho pinta grafitti en las paredes.
Llegamos al puerto. El buque más grande de la Armada española, el 'Juan Carlos I' está, con todas las luces encendidas, en el muelle de La Curra.

Un concierto de música juvenil y moderna junto al Arqua, donde hay una ingente masa de jóvenes y no tanto.

La presencia solidaria con Lorca, tras el terremoto, era evidente en la recogida de donativos en todos los lugares: 'Cartagena, con Lorca'.

Eran más de los dos de la madrugada: había que regresar a Murcia। Lo hacemos con la consciencia de que hemos disfrutado de la noche de los Museos, pero que ha quedado mucho por ver: consideramos que aplazado en gustosa espera, hasta el año que viene. Pues, como dice Tolstoi: "La felicidad consiste no en hacer siempre lo que se quiere, sino en siempre haber querido hacer lo que se hace”.
Y a Cartagena hay que ir.

TE DEUM EN EL VI CENTENARIO ARCHICOFRADÍA DE LA SANGRE: 11 abril, 1411-2011. MURCIA

2011-04-12T01:23:00.005+02:00

He asistido al TE DEUM de acción de gracias, por el que la Archicofradía de la Preciosísima Sangre, (“Los Coloraos”) ha celebrado 600 años de existencia permanente. 11 de Abril de 2011, se cumplen exactamente 600 años de la fundación. He de reconocer que ha sido una sorpresa: por una parte, que fuera un “acto litúrgico”; y, por otra, que el “Te Deum” del compositor murciano Mariano García (1836-1906) haya sido rescatado y orquestado por alguien a quien conozco y que estaba allí: Salvador Martínez García, profesor de Música. Pero concretemos. No se trataba de un concierto al uso, sino de una función litúrgica solemne presidida y oficiada por el obispo de la Diócesis Cartagena-Murcia. Asistir y presenciar es tipo de ceremonia, aparte de lo vistoso, muestra cómo se evidencia y funciona la Iglesia católica en sus ritos. La Exposición del Santísimo es toda una solemnidad articulada en sus mínimos detalles: el inicio con el himno eucarístico “Pange lingua”, [http://www.youtube.com/watch?v=QmW5pD9Qdvc] Y la conclusión, el final, con el “Tantum ergo” [http://www.youtube.com/watch?v=ngWJ6NDeeQE] Y el himno de la Cofradía, mirando al Cristo de la Sangre, de Nicolás de Bussy, presidiendo el acto. Talla cargada de simbolismo y mensaje: Cristo camina, aun perdiendo sangre por su costado derecho, que recoge un ángel en un cáliz, con la cruz en diagonal, inclinada, no está vertical, apunta y expresa que hay que seguir avanzando aun en la más extrema dificultad: no hay que rendirse. El cortejo religioso fue recibido y despedido por una Fanfarria, alegre y emotiva, interpretada por la orquesta sinfónica de Elche. El asunto central, además de lo estrictamente religioso, era el TE DEUM que ha rescatado el profesor Salvador Martínez. A la conclusión del acto, nos hemos saludado, y él ha explicado, en el diálogo informal y abierto, por una parte, el proceso de reconstrucción de la partitura recobrada; y, por otra, todo el trabajo desplegado por él mismo para poner música orquestal –pues la partitura estaba escrita sólo para órgano-. Salvador ha sido muy felicitado: la verdad es que ha hecho un trabajo encomiable, inspirado y con oficio, con gran sensibilidad artística y sentido musical. La interpretación del TE DEUM, bien articulada la orquesta con la Coral Discantus, con la soprano Eva Tenorio, -joven de cuidada y agradable voz-, ha resultado una delicia. (La música ha resultado estar bien interpretada, luchando con éxito contra las condiciones acústicas de lo que es una iglesia: el sonido sube y, al bajar, 'choca' en el camino con las notas que quieren elevarse. El director de la orquesta ha tenido en cuenta esta circunstancia, que ha resulto con habilidad. La cofradía, junto al programa del acto, tuvo la cortesía de ofrecer la letra del Te Deum, del compositor Mariano García, en latín y castellano, con lo cual ha podido seguirse con oportunidad. A los asistentes, que abarrotaban el templo, le ha gustado. A mí, también. Y como ha dicho el obispo José Manuel: “¡larga vida a la archicofradía de La Sangre”।

Nota.- Las fotos se las hemos de agradecer, a mi amigo Ángel L. Riquelme, director del Museo de la Huerta, que con su moderno artilugio iphone ha tomado las imágenes.

ANTONIO NAREJOS, PIANISTA Y PROFESOR, ACADÉMICO DE BELLAS ARTES.

2011-04-03T13:44:00.015+02:00

Asistí, el jueves 31 de marzo, al acto por el que la Real Academia de Bellas Artes de santa María de la Arrixaca, de Murcia, declara oficialmente que Antonio Narejos Bernabéu ingresa y ya es académico। Músico y docente, entre otras ocupaciones y méritos, Antonio Narejos tiene una labor por delante: la que se desprende, aumentada, al acceder a esta institución. Ha llegado por merecimiento propio y un currículum amplio. El pianista, profesor en el Conservatorio Superior, compositor, concertista, escritor y doctor en Filosofía, habló, en su discurso de ingreso, del canto popular y de la presencia de Murcia como fuentes de inspiración en la obra de Manuel de Falla: algunas de sus Siete canciones populares españolas se inspiran en cantos procedentes del folklore murciano; por ejemplo, Paño moruno, Seguidilla Murciana y Nana. Todo ello dicho con referencias eruditas, fruto de un profundo estudio, así como el relato de anécdotas que pusieron fino humor en este acto académico. Habló el nuevo académico de la relación musical entre el lorquino B. Pérez Casas y Manuel de Falla, así como de la consonancia de la música con otros profesionales, escritores y artistas. Ejemplo de esto es que Falla, lector de Azorín, supo expresar la afinidad entre música y escritura. En la que hay muestras y experiencias de Falla con la generación del 27, y con el escritor murciano de adopción, Jorge Guillén. Y de otros inspirados artistas, destaca la frase: “La música como arquitectura de lo sucesivo”. Antonio Narejos señala el pentágono artístico de música popular que tiene sus vértices en Cartagena, Lorca, Caravaca, Jumilla y Murcia. Y, como no podía ser de otro modo, habló de música popular murciana: Auroros y Cuadrillas. Felicitamos a Antonio Narejos y le deseamos suerte y aciertos en su tarea, que se prevé apasionante. Pongo aquí dos direcciones electrónicas, por si se quiere ve/escuchar algo de lo que hizo referencia en su discurso: 1.- Debussy: Preludio a la siesta de un fauno. http://www.youtube.com/watch?v=CFeE-9muWPk&feature=related Dúo de pianos: Isabel Puente y Antonio Narejos. 2.- Manuel de Falla: “7 canciones populares españolas” http://www.youtube.com/watch?v=biA89C2FloE

La Academia tiene su sede en la modernista casa de Diaz Cassou, en la calle santa Teresa, de Murcia. Unas notas, quizá disonantes.- ¿Para qué sirve una Academia? ¿Qué hace, qué proyecta, qué recoge y difunde sobre el Arte, en sus múltiples manifestaciones la Real Academia de Bellas Artes de santa María de la Arrixaca, de Murcia? Aprovechando el período de crisis (que no es sólo económica), en donde todo cambia y se adapta a los nuevos tiempos, ¿puede y debe la Academia ser un referente, una institución dinámica ampliamente conocida y querida en la sociedad murciana? Las instituciones tienen futuro y calan en ámbito cuando conjugan historia y presente. Así lo esperamos.

PASEO POR LA HUERTA: EL INVIERNO DECLINA Y LOS COLORES ESTALLAN

2011-03-06T20:46:00.009+01:00

El inicio de la tarde es ligeramente frío pero el sol se hace cargo de que sus rayos desciendan como gentiles bondades. Empezamos bien.
Nada más iniciar la visita a lo que queda de tierras cultivadas, el paseante se encuentra con circunstancias de lo dinámico y potente, ya que los espacios de la huerta rejuvenecen y se vigorizan de colores precursores; y de lo estático suspendido entre tierras abandonadas y edificaciones surgidas de la reciente época en que se plantaban ladrillos.
Con cierta imaginación y extrayendo el recuerdo, se despliegan ausencias que pudieran caer en la nostalgia. Y el tiempo pasado no volverá, de ninguna manera (que tampoco se debe, ni se puede ni conviene calificar el pasado de ‘idílico’). Así que gocemos de lo que hay y lo que queda, en la difícil supervivencia de lo agrícola: ya se resolvió el dilema entre el cultivo familiar y la agricultura extensiva/intensiva en nuevas tierras, lejos del río Segura –superado por los trasvases y canalizaciones- que antes distribuía su agua por las acequias, hoy disminuidas o canceladas.
Pero si trazamos este paseo es porque no renunciamos a lo que lo caracteriza: la tierra que, fértil como cuerpo de mujer y sus transformaciones, en las funciones elementales de la naturaleza es una necesaria referencia para la vida humana.
No sólo la vista se recrea en los colores de los árboles florecidos, pues otro foco de atención penetra y queda fijado por el oído: los pájaros, sus gorjeos y sus vuelos graciosos o elegantes, como si su función sea la de avisar que la vida late y advertir para que el mundo sea menos confuso.
Las parcelas cuidadas pueden acogerse y distinguirse en un estilo personal, original, de sus cultivadores: si es para árboles frutales o la tierra espera la siembra de hortalizas. La tierra de cultivo es un espacio escrito con un lenguaje sutil y en apariencia inocente. El paseante siente que las palabras, como los pájaros, vuelan, y se piensa en frases que puedan expresar con fidelidad y a la vez, lo que se ve y la impresión que se siente. Al final, uno se remite a lo tópico y acostumbrado, resumiendo la emoción y el pensamiento.
Este acontecimiento de la floración, no por repetido deja de ser un suceso sorprendente, aun en la sencillez del cotidiano discurrir de las estaciones.
Y le tienta al paseante revivir y relatar enredos reales y ficciones aparentes que tuvieron lugar por estos territorios. Contando con que los recuerdos se modifican, las leyendas y los mitos de siempre pueden contener un sentido nuevo, como cuando los huertanos cantaban, con mejor o peor entonación, mientras laboraban, antes de la expansión del transistor, o un obrero a otro contaba un suceso misterioso desde la distancia de un terreno a otro, donde se entremezclaban las historias con las opiniones, los refranes y los precios del trabajo y de las frutas, con prospectiva de futuro, en una continua expresión de la sabiduría popular.
El paseante se complace, pero no se anima, a ser un personaje que pudiera impulsar una narración, aprovechando la vida de árboles pájaros, y paseantes en bicicleta, procurando un estilo coloquial y a propósito sobre lo que se ve, la situación en la que habla el corazón.
Hoy, las personas que cantan son pájaros y evocan el mundo que existe, aunque con ecos distintos. El escenario huertano sigue siendo asombroso, aun en su, a veces, triste respuesta a la rudeza del mundo real.
El paseante mira o lo recuerda, que es un modo de mirar lo que ya no está, y se mezcla algo de lo que fue y algo de lo que hay y que no sabe ponerle nombre.
Será mejor abrir de par en par los ojos para recibir en el ánimo eso que está muy claro, intentando que la inteligencia sensible no dé paso a los excesos sentimentales. Las palabras vuelan igual que los pájaros, que armoniosamente quiebran el silencio del caminante, mientras se percibe la primavera que retorna y deja algo para compensar la ausencia cromática anterior: está aquí para eso y para lo que quiera entenderse.

CONCORDIA entre el CANSANCIO y la energía: el DESAFÍO y LA DANZA. Esculturas de A. CAMPILLO, (y IV)

2011-02-10T16:18:00.012+01:00

“Cansera”, en escultura, nos puede remitir al recuerdo de la que escribió el poeta murciano Vicente Medina(“¿Pa qué quiés que vaya?/…/ Anda tú, si quieres,/ que a mí no me quëa/ ni un soplo d´aliento,/ ni una onza de juerza,/ ni ganas de verme,/…”).

Pero creo que las razones de una y otra son diferentes, tras leer el poema completo y, asimismo, tras contemplar a esta mujer que insiste en ser útil a sí misma y a los demás, pese a la evidente dificultad de dominar un cuerpo que fue joven y enérgico en su día, sin solicitar ayuda .
Esta mujer a quien los años, los trabajos, la obesidad abdominal acumulada tanto por los partos que tuvo, -seguramente en casa, sin la atención de la maternidades modernas-, como por la alimentación irregular y de lo que hubiera, en su esfuerzo está resuelta a mantenerse útil.

Es una alegoría a la certeza de que estados similares nos pasarán a muchos, por no decir a todos. Y, a su vez, el esfuerzo palmario en el intento de llegar para trajinarse los pies, para subirse las medias, o quizá alcanzar el suelo donde está la invisible jofaina de lavado, pese al evidente impedimento que el cuerpo deformado. Lo decide y se esfuerza, porque hay que hacerlo; no hay lugar para la pusilanimidad y el desistimiento, frente a otros que se deprimen sin razón aparente, aunque la tengan.
Cuerpo cansado, en equilibrio apoyado en las patas delanteras de la silla característica de esta tierra. No hay cansancio en el espíritu, aunque el cuerpo ya no responda como antes. Y eso lo ha captado y reflejado Antonio Campillo.

Hay futuro y esperanza. Ahí están las esculturas tituladas “Desafiando al viento” y “La Danza”.

Jóvenes, sonrientes, con sus redondeces y algunos gramos de más (si comparamos con el canon de ‘belleza armónica’ -?- que imponen las pasarelas y las televisiones), que, con fortaleza y equilibrio se elevan sobre sus pies y miren al frente con una sonrisa. Serán mujeres trabajadoras y exitosas, hagan lo que hagan.

Hay decisión en la expresión del momento de su gallardía. Y nunca considerarán que otros les han sustraído el lugar, porque van a esforzarse por lo que sus ojos ven en el horizonte de sus ilusiones.
Su peripecia, que comienza como un juego, una insinuación, refleja vida y emociones. Hasta les podríamos preguntar al pasar por delante, con su decisión emprendida. Y hasta me pregunto por qué libro podrían estar leyendo. Pasa el tiempo y las personas; pero, antes de que pase, ellas han decidido emprender las acciones de arrostrar con firmeza, de puntillas bien sujetas al suelo, con la sonrisa reflejada ante las adversidades y la dureza del trabajo que aguarda, con vocación de ‘comerse el mundo’. No hay desánimo y sí la fuerza para no llorar ante la adversidad, que aparecerá. Son jóvenes emprendedoras, tal como las ha expresado Antonio Campillo.

Y ahí ha de estar nuestro reconocimiento a su trabajo, a su decisión de futuro, al que miran con ojos grandes, con adivinación que expresa la convicción de que vamos a vivir. Y nos inducen a pensar que se puede, quizá en medio de tanta pesadilla actual, que es posible un despertar donde todo será mejor, o por lo menos todo será de otra manera.

Observemos sus manos: una y otra siguen moviéndose con resolución, a pesar de las inquietudes, para que salgamos a la calle, sabiendo que en alguna esquina un aire de frente nos espera.

Quedan más esculturas en el pequeño parque. Pero esas, deberán ser contempladas cuando por ahí os acerquéis y paséis.

“A COSCALETAS”. Espacio de AMOR en la escultura de A. CAMPILLO. (III)

2011-02-06T20:15:00.005+01:00

La acción de transportar a alguien colocándolo a la espalda y asiéndolo por las piernas, mientras el llevado se asegura cogiéndose de los hombros o la parte alta de los brazos, como llevando una mochila, en Murcia se llama “a coscaletas”. Tiene más de juego que de medio de locomoción. Al observar las imágenes de la escultura de Antonio Campillo, se cae en la cuenta que no es ir “a caballo” (lo que supondría que la porteadora apoyara las cuatro extremidades en el suelo y la viajera quedaría algo insegura en su nueva posición, además de ‘viajar’ más despacio).
La escena y los personajes, sean femeninos o masculinos, indiscutiblemente se repite en cualquier punto de la geografía. Y en cada situación se dará el juego y la salvaguardia. El paso del tiempo, cuando ya no se sea el mismo, hará adoptar a la pequeña la tarea que ahora desempeña la mayor. Las experiencias vividas modifican las formas de pensar y de actuar, incluso las formas de amar.
Vemos a dos hermanas: la mayor cuida de la más pequeña, seguramente porque la madre está trabajando, ya sea en la huerta, en la fábrica o en las tareas de casa. Es mejor estar fuera, en la calle, en el espacio abierto. A la vez que el cuidado se da el juego, donde la chiquilla se encarama a la espalda de su hermana, no por cansancio, y le pide recorrer un trecho mientras vuela su imaginación en aventura. La niña pesa sobre el cuerpo de la jovencita, quien consiente el bienestar del placentero viaje de la hermana, y que, aun en la pesadez de la carga, sigue caminando: esta acción sólo se hace por alguien a quien se quiere, ya que, además del agotamiento físico al que se llega, es un acto de confianza: la niña cargada descansa sin recelo en la espalda inclinada de la niña que sobrelleva.
Hay esculturas de las que podemos decir, con convencimiento, que Antonio Campillo ha acoplado un “espacio de amor” cuando las figuras-ideas están juntas. Esta es una de ellas.
En esta ocasión, es el volumen de pirámide triangular invertida que va desde el vértice que suponen las manos de la niña mayor, que afianza las rodillas de la niña pequeña, hasta la mirada de ésta a la nuca: parece estar vacío de materia, pero es ámbito lleno de ternura, de confianza, de devoción, de agrado. Y la mirada de exploración, de anticipación hacia donde se debe caminar para que la niña siga gozando del traslado, mientras sus pies están sólida y establemente pegados al suelo. No sólo son dos cuerpos unidos, sino que están ligados en el espíritu del juego y el cobijo de la protección.
La mente respira viendo que se perpetúa esta escena, como idea hecha arte, donde se pasan las horas saboreando el jugo de la vida: el juego impregnado de entrañable y tranquilo cuidado.

“LA CIGARRA”. Escultura de ANTONIO CAMPILLO: POEMA ESTABLE AL AIRE LIBRE. (II)

2011-02-04T21:51:00.006+01:00

Casi una vida entera acoge este cuerpo de mujer, en el que se nota el paso del tiempo en el trabajo, en los años, en la alimentación. Aunque ha llegado el tiempo del descanso bien ganado, aún así, se resiste a adoptar la condición de “cigarra” (en referencia a la de la fábula de Esopo, luego de La Fontaine y Samaniego, que cantaba y descansaba mientras la hormiga se afanaba), y quiere incorporarse, apoyando el codo, buscando con su mano derecha un asidero, lanzando las frágiles piernas y tirando de la espalda: es el esfuerzo reflejado en su cuerpo ya de grasas acumulado, pero que no se resigna a la holganza, pues seguro que hay mucho que hacer y no se puede permanecer acostada, dejando pasar el tiempo y las tareas.

El arte de Antonio Campillo expresa y trasluce la alegoría de la mujer siempre hacendosa que no se da tregua ni descanso, que se revuelve contra la edad y contra las malformaciones que el trabajo duro y la alimentación disponible han dejado de herencia, de muchas horas de pie dedicadas a la crianza de los hijos, a los trabajos de siete días a la semana, de todas las estaciones, bajo techo o en la huerta o en la fábrica.

Su boca cerrada, en el silencio como de meditación intimista y consideración del presente, no grita ni reclama ayuda, aunque sí con la luz de su mirada testimonia que hay esperanza y futuro, acentúan la emoción que desemboca en un “porque hay que seguir”.

No va a cantar.

Esta mujer, homenaje a innumerables mujeres, con sus desajustes existenciales y balance desengañado, dejando abierta una sugestiva vía cuya continuidad no se hace esperar, cuando se ponga en pie, en su andadura lenta y extensa posiblemente dirá algo así:

-“Lo que tengo que hacer y me aguarda es más grande que esperar a descansar en la tierra”.

Y nadie le puede negar la atención que precise y la ayuda para que sus días transcurran en el vitalismo sensorial, en la tranquilidad antropológica de saberse útil y dispuesta.